MARINA-BANNER CAST 

 


EXPOSICIÓN:

 

2
MARINA NÚÑEZ

Sin piel

 

Del 29 de enero al 25 de abril de 2021

Comisaria: Susana Blas

 

 

La exposición Sin piel, concebida por Marina Núñez específicamente para Kubo Kutxa, presenta una selección de obras recientes que proyectan identidades maleables y empáticas con el entorno, donde los límites físicos y psicológicos se diluyen o duplican en los escenarios o paisajes de los que forman parte.

 

Sin piel habla de identidad, de la idea de frontera, del diálogo, casi siempre incómodo, entre lo conectado, ilimitado, abierto, blando y metamórfico, y lo constreñido, lo estereotipado y controlado. Evocaciones de un entorno en transformación y «en vías de destrucción», que hoy en día ha pasado de ser un asunto teórico a una problemática urgente, por las evidencias de catástrofe inminente, propiciadas por la crisis medioambiental.

 

En consonancia con las últimas ideas de la teórica Donna Haraway —que tanto influyó en el discurso artístico posthumanista de fines del siglo XX con su Manifiesto Cíborg (1984)—, la exposición invita, tal y como la pensadora propone en su último texto Seguir con el problema (2019), a reconfigurar nuestras relaciones con la Tierra y sus habitantes —humanos y no humanos—, aceptando que tenemos que habitar juntos un territorio herido. Ideas que resuenan con la obra de Núñez, donde los escenarios, si bien se presentan hostiles y distorsionados, se abren a la integración y a la simbiosis.

 

El título de la muestra alude a la eliminación de la frontera que nos aísla del exterior: la piel, como motivación de la fusión tanto con el medio natural como con la tecnología, y entendiendo la vida en la Tierra como un proceso orgánico en el que nuestras decisiones, aun siendo cruciales, forman parte de leyes más amplias que afectan a todo el cosmos.

 

La luz como energía unificadora de las partes está presente desde las primeras obras de Marina Núñez, no solo como iconografía generadora de transformación, sino también por ser el instrumento y la materia de las piezas, pues en los últimos años, la artista, aun considerándose pintora, ha optado por las técnicas digitales: vídeo, fotografía y dibujo infográfico, que permiten esa maleabilidad extrema, coherente con sus preocupaciones teóricas.

 

A este escenario de crisis energética, climática y social, imperante en las últimas décadas, se ha unido en 2020 una pandemia mundial. La expansión del virus, fluido, mutable y en continuo crecimiento, permite entender, casi de un modo literal, el concepto de frontera que la artista adjudica a la epidermis.

 

La enfermedad invisible penetra a través de la piel mientras intentamos sin mucho éxito controlar el acceso. Por otra parte, este virus maléfico que se replica no es sino consecuencia de acciones humanas de explotación salvaje de los ecosistemas que ahora pasan factura a la «civilización». Las dicotomías naturaleza-cultura, y cuerpo-tecnología están en la base del imaginario de la artista desde sus primeros trabajos.

 

 

Marina Núñez lleva años interesada por la alteridad (la locura, la monstruosidad, el universo cíborg) y por los imaginarios no canónicos, y si bien toda su obra es un intento por mostrar realidades alternativas a lo normativo, quizá la diferencia entre proyectos anteriores y esta exposición es la idoneidad de la propuesta en los tiempos inciertos y apocalípticos que está viviendo la humanidad en el último año. 

 
© Marina Núñez. Marejada, 2020. Detalle


LA ARTISTA:


 

Marina Núñez  (Palencia, 1966)

 

MARINA NUEZ BIO

Marina Núñez representa en sus obras seres diferentes, aberrantes, monstruosos, los que existen al margen o en contra del canon. Los cuerpos anómalos que pueblan sus cuadros, imágenes digitales o vídeos nos hablan de una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno, sino que constituye básicamente al ser humano.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y doctorada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, ejerce como profesora titular de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, al tiempo que sigue plenamente dedicada a su trayectoria artística.

Sus obras han sido expuestas, tanto de manera individual como en muestras colectivas, tanto en España como en diversas ciudades del mundo (París, Buenos Aires, Venecia, Berlín, Londres, Nueva York, Cracovia, Palermo, Ajaccio, Shangai).

Desde sus primeras obras es una artista que se cuestiona sobre los roles de género y sobre los cánones establecidos, así como por lo que existe al margen de lo normativo. Plasma esta búsqueda en diversos formatos como pintura, vídeos y animaciones en 3D. En los últimos años Marina Núñez. Fotografía: Pedro Gallego                                                muestra predilección por el software 3D y de efectos especiales. En su obra se percibe la                                                                                                                            influencia que ha podido tener en ella la literatura de ciencia ficción o el cine, dos fuentes clave                                                                                                                    de inspiración para ella.

En cuanto a los temas que trabaja, encontramos la locura, la muerte, la monstruosidad y la ciencia ficción. El eje de sus obras, en cualquier caso, es la figura femenina.

Marina Núñez ha creado un mundo propio, poblado por criaturas y entornos que existen al margen o en contra del canon.

Su obra figura en colecciones de varias instituciones, entre las que se encuentran el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Artium de Vitoria-Gasteiz, el MUSAC de León, el Patio Herreriano de Valladolid, la Panera de Lleida, el TEA de Tenerife, el CAAM de Las Palmas, Es Baluard de Palma de Mallorca, la Fundación La Caixa, la Fundación Botín, el MAC de La Coruña, el CAB de Burgos, el FRAC Corse, o la American University, Washington DC.

Actualmente reside entre Madrid y Pontevedra, y es profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo.

 

www.marinanunez.net



ACTIVIDADES:

 

 

 

De tornados, supernovas y marejadas

 

Una conversación entre Marina Núñez y Susana Blas

 

15 de abril a las 18:00h (online)

 

Conversación entre la artista y la comisaria.

Disponible en  nuestro canal Youtube

 

 

 

 

Visitas guiadas gratuitas

 

Sábados

 

17:30 euskera / 18:30 castellano

Inscripción previa obligatoria en la propia sala, T 943 251939 o Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

 


GUÍA DE EXPOSICIÓN: 


 

Descargate aquí la guía de la exposición.

FOLLETO

 


 


    #SinPiel

@kubokutxa

 

CAS Genericos JR Amondarain 1010-x-400 

 


EXPOSICIÓN:

 

Dig it all 2001José Ramón Amondarain

Agitar las imágenes

 

Del 21 de mayo al 26 de septiembre de 2021

Comisario: Francisco Javier San Martín

 

 

Agitar las imágenes es la primera exposición retrospectiva que repasa en profundidad el trabajo de José Ramón Amondarain, durante más de 30 años, y agrupa más de 200 piezas realizadas a lo largo de prácticamente todas las etapas creativas del artista donostiarra. El comisario Francisco Javier San Martín y el propio artista han realizado una cuidada selección de obras que representan cada una de sus diferentes series. En palabras de San Martín, «tres décadas de una mirada atenta al mundo, a la sociedad contemporánea, pero no menos atenta al frente interior del arte, al trabajo de artistas contemporáneos o de la tradición modernista».


Quizá sorprenda a quienes siguen el trabajo del artista que la exposición se centre en la escultura, ya que es más conocido por su obra pictórica, pero es que la escultura ha estado siempre presente en su trabajo de taller y, de una manera u otra, en todas sus exposiciones. Se trata, por tanto, de reivindicar este aspecto de su obra y ponerlo en relación con el conjunto de su trabajo artístico.


Las piezas ocupan el magnífico espacio de la sala Kubo Kutxa apropiándose de él, habitándolo, en una disposición elegida y estudiada por Amondarain para lograr un resultado acorde a su idea de lo que debe ser una exposición. La idea de un gran espacio ocupado por un bosque de esculturas estratégicamente diseñado, o la agrupación de las piezas, son importantes como parte de la definición de este proyecto en el que el artista hace un balance de su carrera.

 

Las obras proceden mayoritariamente de la colección del artista, pero la selección se completa con aportaciones de colecciones particulares y algunas instituciones como Artium, Museo de Bellas Artes de Bilbao o Fundación Naturgy, que generosamente han cedido temporalmente sus piezas.

 

Agitar las imágenes es una expresión del propio artista con la cual quiere reivindicar su posición de diálogo con la Historia del Arte, a través de la apropiación, el desvío, la copia o la parodia, pero también con las imágenes cotidianas. Agitar las imágenes implica recoger elementos ajenos, en este contexto de hiperabundacia, y ponerlos en acción. Cualquier apropiación, en el contexto contemporáneo, es inevitable o irreprimible, pero también es funcional y productiva; en ese delgado filo se ha generado el trabajo que mostramos en esta exposición.

 

La muestra se despliega por los tres espacios de la sala Kubo Kutxa. En el de la entrada se presentan dos series que abordan la relación de Amondarain con el legado moderno y su actualización en el trabajo del taller: sobre las paredes, los Anagramas, piezas de poliéster en las que el nombre de un artista, trastocando el orden de las letras, deviene en una frase relacionada con su trabajo, o más bien con la percepción que Amondarain tiene de este trabajo. Y en el espacio de la sala, la serie de Aviones, pequeñas piezas de aeromodelismo cubiertas con motivos característicos de pintores especialmente próximos al artista, donde la pintura se hace camuflaje y también homenaje.

 

En la sala principal se muestra, en un conjunto denso y superpoblado de esculturas sobre peanas, buena parte de la variedad del trabajo escultórico de Amondarain. Se exhiben desde piezas de grandes dimensiones, como El corte o Punto ciego, Háptica o Cuánto de quién, hasta diminutos fragmentos experimentales; desde esculturas tempranas en plomo u óleo, hasta piezas recientes en diversos materiales, algunas de ellas realizadas durante el propio proceso de preparación de esta muestra. Sobre uno de los muros, una serie de impresiones a modo de carteles o manifiestos, muestran procesos de trabajo, de ideas o sugestiones, que acompañan el trabajo del artista en el taller y que funcionan como un diario en imágenes; destellos de imaginación que realimentan el deseo de volver al taller.

 

Y, por último, en la tercera sala, una proyección nos ofrece una sucesión de imágenes con las que Amondarain ha trabajado para el desarrollo de sus obras a lo largo de toda su trayectoria artística. Esta singular mirada hacia atrás nos permite intuir su manera de trabajar por el modo en que se articulan entre ellas, en un entorno voluntariamente vacío de obras, donde lo visto en la sala anterior se encuentra con un mundo de referencias francamente reveladoras.  

 
José Ramón Amondarain | Dig it all, 2001 | Fotografía © Lopez de Zubiria




EL ARTISTA:


 

 

Gemelas 2006José Ramón Amondarain  (Donostia / San Sebastián, 1964)

 

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Pintura. Su formación continuó en Arteleku (Donostia). Posteriormente Disfrutó de una Residencia en el programa de estudios en la Künstlerhaus Bethanien (Berlin).

 

Ha expuesto en salas institucionales como la Sala Rekalde, Bilbao; Museo Guggenheim, Bilbao; Museo Patio Herreriano, Valladolid; DA2, Domus Artium, Salamanca; CAAM, Las Palmas de Gran Canarias; Palais de Beaux-Arts, Bruselas; La casa Encendida, Madrid; Koldo Mitxelena, Donostia; Museo Galdiano, Madrid; Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz.

Ha participado en distintas ferias internacionales como ARCO, Madrid; ART BASEL, Basilea; ART FORUM BERLIN, Berlín; ART AMSTERDAM, Ámsterdam; ART BEIJING, Beijing.

 

Tiene obra en el Museo ARTIUM de Vitoria, Museo Reina Sofía de Madrid y en colecciones como la Fundación La Caixa de Barcelona, CA2M de Madrid, Unión Fenosa de La Coruña o Banco de España.

 

Ha obtenido, entre otras, la Beca Grupo Endesa en 1993 y la Beca Botín en 1999, así como la de la Academia de España en Roma en 2018-2019.

 

Sin lugar a dudas, José Ramón Amondarain es uno de los artistas vascos más brillantes, pero trasciende lo local para estar presente también en los debates internacionales producidos en las últimas décadas sobre el campo pictórico. Es un buen ejemplo de artista poliédrico, capaz de abarcar un amplio abanico de procedimientos materiales y conceptuales.


José Ramón Amondarain | Gemelas, 2006 | Fotografía © Lopez de Zubiria


ACTIVIDADES:

 

 

Visitas guiadas gratuitas

 

Sábados

 

17:30 euskera / 18:30 castellano

Inscripción previa obligatoria en la propia sala, T 943 251939 o Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.



CATÁLOGO: 


 

  

JOSÉ RAMÓN AMONDARAINCatalogo amondarain

Agitar las imágenes

 

PVP: 42 € (IVA incluido)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


GUÍA DE EXPOSICIÓN: 


 

Descargate aquí la guía de la exposición.

AMONDARAIN FOLLETO

 


 


    #Amondarain

@kubokutxa